Se anuncian los ganadores de los Premios Trayectoria 2022

Con representantes de diferentes disciplinas y provincias, el listado acompaña los pilares de la institución: inclusión y gestión federal.


El Gran Premio y los Premios Trayectoria son un reconocimiento que otorga el Fondo Nacional de las Artes a quienes, desde distintas disciplinas, se han destacado a lo largo de la vida y han aportado a fortalecer nuestra identidad como pueblo y conformar una cultura nacional.

El Gran Premio fue otorgado por primera vez en el año 1963 a Jorge Luis Borges
y en los siguientes años a grandes y queridos artistas como Emilio Pettoruti, Luisa Vehil, Olga Ferri, Mecha Ortiz, Tita Merello, Quinquela Martín, el Cuchi Leguizamón, Griselda Gambaro, Ricardo Piglia, María Elena Walsh, Luisa Calcumil, León Gieco, Mauricio Kartún, Susana Rinaldi, entre tantos otros.

Los Premios Trayectoria, que comenzaron a entregarse en 1992, surgen de la necesidad de homenajear a tantos otros merecedores de una distinción por representar el saber y las distintas expresiones de la cultura.

En estos 30 años recibieron esta distinción: Amelia Bence, Leonardo Favio, Mercedes Sosa, Ana María Stekelman, Eladia Blázquez, María Fux, Nelly Omar, Kenneth Kemble, Liliana Herrero, Marta Minujín, Graciela Galán, Claudio Caveri, Carlos Gorriarena, Aldo Sessa, María Teresa Andruetto, Ana Kamien, Hilda Bernard, Manuela Rasjido, Juan Carlos Desanzo, José Luis Castiñeira de Dios, Cristina Banegas, Lía Jelín, Ramón Ayala, entre otros.

Con el compromiso que solo puede dar la convicción de entender a la gestión cultural como una de las más poderosas herramientas para la inclusión y la transformación social, el FNA cierra 2022 con la entrega de los Premios Trayectoria tal como sucediera en las ediciones anteriores. Distinguir a quienes han dado un testimonio de vida por el arte y la cultura del país resulta un acto de la mayor relevancia. 




Figuras distinguidas


GRAN PREMIO TRAYECTORIA 2022


GRACIELA BORGES

“El camino de la libertad es hacer con gusto y amor lo que uno hace y sin tener miedo” 

(Buenos Aires, 1942)

Nacida para la cámara, el rostro y la voz de Graciela Borges son una marca indeleble no ya en la cultura y el espectáculo sino acaso en el inconsciente colectivo de todo el país. Actriz fetiche de grandes directores como Leopoldo Torre Nilsson (Fin de fiesta, Piel de verano, La terraza) y Raúl de la Torre (Crónica de una señora, Heroína, Pubis Angelical), Graciela Borges ha deslumbrado a distintas generaciones de cinéfilos poniendo el cuerpo para los personajes que le imaginaron autores como Leonardo Favio (la señorita Plasini de El dependiente) o Lucrecia Martel (Mecha en La Ciénaga). De los años 60, donde encarnaba el rostro de una generación dispuesta a sacudir al mundo, a la incertidumbre del siglo XXI, la historia filmada de la Argentina está teñida de su incomparable garbo dispuesto en más de cincuenta películas y una presencia sostenida en la televisión a partir del memorable ciclo “Alta comedia”. Desde que Hugo del Carril la incluyó en Una cita con la vida (1958), la Borges se convirtió en la elegida ya fuera del cine de autor o independiente. Distinguida como Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires en 2002, fue premiada en festivales internacionales de cine como los de San Sebastián, La Habana, Cartagena y Serbia y participó en los de Berlín, Cannes y Venecia.    



PREMIOS TRAYECTORIA

Foto: Ivo Aichenbaum.




DIBUJO

FERNANDO ALLIEVI 

"Dibujar es una manera de pensar"

Esquel (1954)

Con una temprana inclinación por el dibujo y la pintura, Fernando Allievi comienza sus estudios de dibujo bajo la guía de Leopoldo Garrone. En 1978 ingresa a la escuela Provincial de Bellas Artes José Figueroa Alcorta de la ciudad de Córdoba de donde egresa con los títulos de Maestro de Artes Plásticas y Técnico superior de Pintura y Dibujo. En 1985 se traslada por consejo del pintor Marcelo Bonevardi a Nueva York en donde permaneció hasta 1988, año en el que regresa a Córdoba donde reside actualmente. 

Dueño de una técnica virtuosa, sus obras se acercan al realismo de la fotografía y su figuración es minuciosa al extremo.  

Desde el año 1980 en que realiza su primera muestra individual a la fecha ha participado en numerosas exposiciones colectivas y personales, obtuvo premios y distinciones en salones provinciales y nacionales y su obra está representada en importantes colecciones públicas y privadas del país y del extranjero. Se desempeñó como jurado y coordinador en numerosos premios y salones y desde el año 2008 organiza en la Ciudad de Córdoba junto al Arquitecto José Luis Lorenzo y al artista Gabriel Valansi las Clínicas de Arte Contemporáneo dirigidas al coleccionismo y al público de arte en general. Desde 1999, tres murales suyos se pueden ver en la estación Retiro del subte C. 

Foto: Morena Aimé Martínez.

PATRIMONIO 

LILIANA ANCALAO

“Siento en mapuche y escribo en castellano”

(Comodoro Rivadavia, 1961)

Profesora en letras por la Universidad Nacional de la Patagonia San Juan Bosco (UNPSJB), Liliana Ancalao ha dirigido dos proyectos de investigación de la lengua mapuche en esa universidad donde además integra un grupo de estudio sobre culturas y literaturas del sur. Docente en escuelas de nivel secundario es una referente de la transmisión de la cultura ancestral de su región ya fuera desde la coordinación de un ciclo de Arte Popular en los barrios como en su participación en los colectivos artístico-culturales “Peces del desierto” y “Trovadores patagónicos”. 

Ancalao pertenece a la lof mapuche-tewelche Ñamkulawen, comunidad que ayudó a fundar en la ciudad de Comodoro en el año 1994. Con su comunidad, organiza la ceremonia anual del Wiñoy Tripantü, dictó cursos iniciales de lengua mapuzungun, cursos de capacitación y actualización docente y desde el año 2006 integra el consejo asesor de la Cátedra Abierta de Derechos Humanos de la UNPSJB.  

Ha participado en encuentros internacionales como el III Encuentro de Literaturas en Lenguas Originarias de América en el marco de la XXXII Feria Internacional del libro en Guadalajara y dictó conferencias en Estados Unidos, Alemania y Escocia. 

Foto: Pablo Castagnola.

ARTES VISUALES 

ELBA BAIRON

“Todas las piezas figurativas toman para mí un carácter abstracto y viceversa”

(La Paz, 1947)

Radicada en Buenos Aires desde 1967, Elba Bairon se sumó a la escena under de los 80 diseñando piezas de vestuario para las obras de Emeterio Cerro y, en silencio, fue creando una estética impar con sus esculturas blancas en pasta de papel que crean una atmósfera meditativa cada vez que son expuestas. Sus muestras en el Malba (2013) y en el Museo de Arte Moderno (2017) la consagraron en la escena pública  con instalaciones en las que sus figuras de blanda apariencia se disponen como en el escenario de un efímero teatro.  

De formación heterodoxa (estudió pintura china, grabado y litografía), Bairon fue una de las animadoras de la movida en torno a la galería del Centro Cultural Rojas y ha participado en ferias internacionales como ARCO (Madrid), Art Basel (Suiza) y Art Frankfurt (Alemania). Ganadora del Gran Premio Nuevos Soportes e Instalaciones del Salón Nacional (2012) y el Primer Premio Federico Klemm a las Artes Visuales su obra está representada en las colecciones del Malba, Macro, Museo de Bahía Blanca, Museo de Arte Moderno, Museo Nacional de Bellas Artes y colecciones particulares. Participó también en distintas exposiciones internacionales entre las que se destacan: Centro Cultural Cándido Méndez (Río de Janeiro), Instituto Ítalo Latinoamericano (Roma, Italia), Museo Parque de las Esculturas (Santiago de Chile) y 33º Bienal de San Pablo, entre otras.   

Semana de Alta Costura en Buenos Aires, 2022. Foto: Nicolás Stulberg.

DISEÑO DE INDUMENTARIA 

GINO BOGANI

“Rompí con todos los tabúes de la moda”

(Libia, 1932)

Primer diseñador de modas en alcanzar estatus de artista, la historia de Gino Bogani es también la de una Argentina hecha de migraciones y de un apego por la excelencia y el esfuerzo. Hijo de los italianos Alma y Francesco, pasó su primer mes de vida en el norte de África para luego volver a la ciudad de Florencia y de allí a nuestro país, donde los Bogani se terminaron estableciendo en Mar del Plata. Fue allí donde el joven Gino comenzó colaborando con su madre en una boutique hasta que, establecidos en la Ciudad de Buenos Aires, abrieron un local sobre la Avenida Alvear que se convirtió en referente para actrices de cine y televisión y modelos de alta costura. 

En los años 70 sus desfiles se volvieron grandes acontecimientos. Llevar puesto un Bogani es una marca que persiste en el tiempo desde que hizo de su petit hotel en la calle Rodríguez Peña su fortaleza en el arte de la elegancia. Sus diseños también dejaron huella dentro del mundo del arte y la cultura. El Teatro Colón le encargó el vestuario completo de puestas como Cenicienta, El Cascanueces, El elixir de amor y la adaptación de Un tranvía llamado deseo, de Tennessee Williams, en 1998. Recientemente su colección se presentó en el desfile que tuvo lugar en la Semana de la Alta Costura (SAC) en el MALBA en 2022.

Fuente: diario La Nación.

TEATRO

SANTIAGO DORIA

“Deseo despertar al público con una caricia”

(Buenos Aires, 1945)

Actor, dramaturgo, titiritero, docente, todos los caminos llevan al escenario a Doria que se considera a sí mismo un hombre del teatro. Su nombre comenzó a distinguirse en la escena a partir de su participación en la recordada puesta Orquesta de señoritas (Jean Anouilh) con la que recorrió casi doscientos escenarios de Argentina, España, Chile y Uruguay en los años 70. Desde la década siguiente se dedicó con énfasis a la dirección teatral poniendo en escena más de cien espectáculos. Doria es un meticuloso investigador del sainete criollo y el teatro clásico español por lo que ha realizado diversas puestas que rescatan y revitalizan esos géneros tan caros a nuestra identidad. 

Doria es, además, un rostro conocido por la platea masiva de la televisión. Como actor, ha participado de tiras muy recordadas como Zona de riesgo, Gerente de familia, Mamitas y Campeones, entre otras. También ha puesto su talento para la puesta en escena en recitales de artistas populares como Lolita Torres, César Isella, José Angel Trelles, Chico Novarro, Rubén Juárez, Eladia Blázquez y la memorable presentación de Horacio Ferrer y Tania en el Theatre National de la Colline de París. En el 2007 la Ciudad de Buenos Aires lo declaró Personalidad Destacada la Cultura. 

Foto: Jorge Galasso.

MÚSICA

BRUNO GELBER

“Estar bien para tocar el piano es mi manera de ayudar al mundo”

(Buenos Aires, 1941)

Verdadero prodigio nacido en el seno de una familia de músicos, el pianista Bruno Gelber dio su primer concierto público interpretando Beethoven a los diez años de edad bajo la mirada de su formador Vincenzo Scaramuzza. A los 14, en tanto, haría su entrada triunfal en el Teatro Colón tocando el concierto para piano de Robert Schumann. De ahí en más su nombre quedaría asociado a la excelencia de los maestros argentinos en la escena internacional de la música clásica. Al punto que el mismo Arthur Rubinstein lo consideró como “uno de los pianistas más grandes de su generación”. Desde su debut en Munich en 1959, Gelber ha tocado para audiencias de América, Europa y Asia en más de cinco mil conciertos y acompañado por las más prestigiosas orquestas: Filarmónica de Viena, Filarmónica de Berlín, Sinfónica de Chicago, entre otras. 

Apreciado como uno de los mejores intérpretes de Beethoven Francia lo galardonó como Oficial de las Artes y de las Letras Francesas en el año 2007 y su discografía ha sido premiada por el Discophiles del mismo país. En el año 2006 fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Fue distinguido como uno de los cien mejores pianistas del siglo XX.

LETRAS Y GESTIÓN CULTURAL 

MEMPO GIARDINELLI

“Toda persona es lo que ha leído, y también lo que no ha leído. Y con las sociedades sucede igual. Una nación que no lee, que no cuida sus libros ni estimula la formación de nuevos lectores de la mejor literatura; que no cultiva su memoria y no alienta el desarrollo del conocimiento, es una sociedad culturalmente suicida”

(Chaco, 1947)  

Con una extensa trayectoria como escritor y periodista, Mempo Giardinelli es también la cara visible y el nombre de una fundación que busca activar las culturas del Chaco y el Nordeste argentino con una perspectiva en la que el cuidado por el medio ambiente y el estímulo a la lectura van a la par. Desde 1999 la Fundación Mempo Giardinelli asiste a escuelas, bibliotecas, hospitales, comedores, centros comunitarios, salas de espera, parques y plazas y enseña Pedagogía de la Lectura en su Instituto de Estudios Superiores. Esas acciones se complementan con los programas institucionales de la Fundación: Programa de abuelas cuentacuentos, Programa de asistencia a comedores infantiles, y Programa de donación de libros y padrinazgo a bibliotecas. Con esas herramientas la FMG busca recuperar la riqueza plurilingüística estimulando la interacción entre el castellano y las lenguas qom, wichí y moqoit de los pueblos originarios del Chaco, así como con el guaraní y el portugués como lenguas del Gran Chaco Americano. 

Por su dedicación a la literatura infantil y juvenil, Giardinelli fue galardonado en la Feria del Libro 2007 con el Premio Pregonero de Honor. Recientemente recibió el "Premio Manuel Rojas a la obra narrativa". 

Estas iniciativas son coincidentes con la convicción ética de su escritura que ha dejado títulos imborrables como Qué solo se quedan los muertos (1985), El país de las maravillas (premio de ensayo 1998) y Santo oficio de la memoria (premio Rómulo Gallegos 1993). 

De su último libro Esto nunca existió (2022, p.45): “Todos vivíamos en guardia. Todos asistíamos a esa barbarie sigilosa, eludiendo a las decenas de oficiales, suboficiales, soldados y policías que incineraban libros y custodiaban las piras durante horas, acaso sintiéndose estúpidamente heroicos (...) sin siquiera darse cuenta de la atrocidad que cometían en ese instante miserable en que se quemaba la Argentina más hermosa que yo había conocido, violada e incinerada por esta otra, horrenda y criminal…”

Foto: Valérie Loewensberg.

ARTESANÍAS 

INDIO FROILÁN GONZÁLEZ

“El bombo es un tronco de ceibo que crece en los bordes de los canales y de los ríos, y en Santiago del estero crece alto. Es un árbol de 60 o 70 años que no sirve para leña ni para hacer muebles, nosotros le estamos poniendo un corazón de parche para que cante”

(Santiago del Estero, 1951)

Elegido referente del folclore y el rock por artistas de la talla de Mercedes Sosa, Soledad o Divididos, y por artistas globales como Shakira u organizaciones como el Cirque Du Soleil, Froilán El Indio González perfeccionó durante cinco décadas el arte de la fabricación de bombos hasta convertirse en un emblema entre los artesanos de Argentina y toda Latinoamérica. Confecciona sus instrumentos de manera meticulosa utilizando la madera del ceibo (árbol que da la flor nacional) cuya porosidad garantiza la profundidad y eco del sonido.   

Froilán heredó el oficio de su padre y trabaja como artesano desde los 10 años. La excelencia de su arte lo llevaría a dictar talleres en nueve países de Europa con una parada histórica en la BBC de Londres. En 2000 fue invitado por el compositor Peter Gabriel para que formara parte de su banda en el mítico festival de Reading, Inglaterra, y en 2001 exhibió sus bombos en Bruselas, París, Madrid y Amsterdam.

Pero más allá de los reconocimientos internacionales, Froilán González busca mantener viva la tradición de Santiago con La marcha de los bombos que organiza desde 2003 y en la que los santiagueños recorren diez kilómetros haciendo sonar sus instrumentos. Su mítico lugar lleno de encanto, de sabores y de música es conocido como “el patio del Indio” donde se dan cita cantores y bailadores de la tierra santiagueña.“Él es un hijo del sol y el monte lo hizo luthier”, lo ha definido Peteco Carabajal en un poema.

DISEÑO GRÁFICO 

GUILLERMO GONZÁLEZ RUIZ

“Si las ideas no son buenas, no hay tecnología que las salve”

(Chascomús, 1937)

Arquitecto y diseñador gráfico, González Ruiz es uno de los maestros de la comunicación visual en Argentina. Formó parte de la generación influenciada por la difusión de la escuela Bauhaus en la Facultad de Arquitectura y Urbanismo y aplicó esos conceptos en el proyecto de creación de un sistema de señalización para la ciudad de Buenos Aires, realizado en 1972, que luego se adaptó a todas las grandes metrópolis del país y aún sigue vigente. 

En los años 60 formó parte de Agens, la agencia de publicidad del grupo SIAM, que consagró un estilo de diseño gráfico para la publicidad argentina. Su impronta quedó, por ejemplo, en el afiche que González Ruiz diseñó para la película El santo de la espada (Leopoldo Torre Nilsson) que forma parte de la colección de Diseño del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. 

Primer director de la carrera de Diseño Gráfico en la UBA a partir de 1985, González Ruiz escribió dos libros que son insoslayables como marco teórico de la comunicación: Diseño Gráfico y Comunicación visual (1986) y Estudio de diseño (1994). Ha diseñado la identidad visual de iniciativas estatales y privadas. Sus piezas de diseño se han publicado en Inglaterra, Estados Unidos, Alemania, Japón, Suiza e Italia. Fue elegido como una de las 200 personalidades más distinguidas de la UBA en 2021.  

Rodaje. Foto: Bajo Bandera.

ARTES AUDIOVISUALES

JUAN JOSÉ JUSID

“La idea es que no se note la puesta cinematográfica, que la cámara tome planos distintos al mismo tiempo, ello me produce una posibilidad de narrativa muy interesante e inquietante”

(Buenos Aires, 1941)

Director y guionista, Jusid dejó su marca en la historia grande del cine argentino en películas como Los gauchos judíos (1975), Asesinato en el Senado de la Nación (1984), Made in Argentina (1987), Un argentino en New York (1998) y Papá es un ídolo (2000). Su filme La fidelidad (1970), en su momento desapercibido, se convirtió con los años en un revalorizado ejercicio de autor y es ahora considerada una película de culto. Su paso por la televisión ha sido del mismo modo remarcable con ciclos como Historias de diván (2013), una miniserie de TV en la que se llevaron a la ficción las historias que el psicoanalista Gabriel Rolón volcó en Historias de diván. Ocho relatos de vida.  

Jusid es profesor de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica ENERC, donde coordina la carrera de Dirección, y es directivo de DAC Directores Argentinos Cinematográficos. Empezó su carrera como actor, marionetista y fotógrafo trabajando en la Asociación de Directores de Cortos. En 1968 escribió y dirigió su primera película Tute Cabrero y su último filme Viaje inesperado fue estrenado en 2018. Atento a reflejar el humor social de los argentinos, su adaptación cinematográfica de la obra teatral Made in Lanús es uno de los mayores testimonios sobre los años de la transición democrática. Con Marta Bianchi, Leonor Manso y Patricio Contreras en los roles protagónicos, la adaptación que se llevó al cine con el título de Made in Argentina consagró a Jusid como uno de los grandes realizadores argentinos.

ARQUITECTURA

FLORA ALICIA MANTEOLA 

“Cada problema es digno de la mayor búsqueda porque la magia de la arquitectura surge de la intensidad y pasión puesta en su práctica.”

(Buenos Aires, 1936)

Flora Manteola es arquitecta, egresada de la Facultad de Arquitectura de la UBA en 1962 y forma parte del Estudio MSGSSV (Manteola, Sánchez Gómez, Santos, Solsona, Vinson) desde sus inicios, cuando se incorporó, aún sin graduarse, junto con Javier Sánchez Gómez al estudio que habían iniciado en 1956, Fina Santos y Justo Solsona.

MSGSSV es un estudio que ha realizado obras de diferentes escalas y temáticas a lo largo y ancho del país: viviendas individuales y colectivas, edificios de oficinas, industriales, comerciales y educativos, edificios deportivos y para transporte, hotelería y bancos. Todos los proyectos son producto de un debate arquitectónico y de una gran creatividad, logrando en los 60 años de existencia, ser un equipo de vanguardia y excelencia.

Sus obras se relacionan con proyectos para la educación y la vivienda colectiva, en especial, el desafío que conlleva la vivienda económica en proyectos de gran escala. Entre sus conceptos consigna: “La vivienda de interés social es una deuda que tenemos los arquitectos y la sociedad, un tema muy importante poco transitado. La vivienda es un derecho.”

Integró la Comisión Directiva de la Sociedad Central de Arquitectos, y fue Consejera del Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo. Integra el Colegio de Asesores y Jurados de la S.C.A. y del Colegio Profesional de la Provincia de Bs.As.

Como profesora titular de Introducción al Conocimiento y a la Práctica Proyectual del CBC de la UBA considera a la docencia como un aprendizaje constante, que acompañando y escuchando a los alumnos genera un intercambio muy rico.

Foto: Sebastián Freire.


LETRAS
 

MARÍA MORENO

“Debo más a mis oídos que a mis ojos”

(Buenos Aires, 1947)

Directora actual del Museo de la Lengua (Biblioteca Nacional), María Moreno es una de las periodistas que llevó el oficio a los bordes de la creación literaria. Mucho antes de que la crónica de impronta autobiográfica se impusiera en los medios, Moreno anticipaba el periodismo narrativo siguiendo la huella de la uruguaya María Esther Gillio y los desaparecidos Rodolfo Walsh y Enrique Raab de quien realizó una valiosa antología para la editorial Sudamericana. También fue una de las primeras militantes feministas desde la tribuna de Alfonsina, la revista cultural que lanzó en 1984. Su carrera como periodista había empezado en el diario La Opinión que siguió la huella de los semanarios de los 60 (Primera Plana, Panorama) en los años 70. Trabajó también en los diarios Sur y Página 12 y en las revistas Babel y Fin de Siglo. Sus entrevistas, ensayos y crónicas fueron reunidos en diversas antologías entre las que se destacan La Comuna de Buenos Aires, relatos al pie de 2001, El fin del sexo y otras mentiras y Subrayados. Leer hasta que la muerte nos separe. 

Su primer libro de ficción es la novela de culto El affaire Skeffington (1992) reeditada en 2022 por el sello Mansalva. El peso narrativo de su escritura se había manifestado con la no-ficción El Petiso Orejudo (1994) pero se consagró con Black Out, un prodigioso entramado de memorias, ensayo, auto ficción y literatura pura (Premio de la Crítica al mejor libro argentino de creación literaria en la Feria del Libro de 2017): “La Plaza Once no sólo era el lugar de los mitines, también era el del tránsito de los habitantes de las afueras, que emergían o desaparecían en la entrada de la estación de tren con la fuerza suficiente como para hacer ilusorio el cartelito de “Prohibido pisar el césped”. De hecho, esas pisadas, que para mi madre tenían resonancias de malón, habían dejado una informe superficie terrosa en la que el verde sólo asomaba en matojos semiaplastados y la única flor sobreviviente era la del diente de león. A pesar de ser la plaza de nuestro barrio, la Once no formaba parte del itinerario que mi madre organizaba para hacer de mí alguien saludable, y del que el aire puro, junto con la vacunación obligatoria y la prevención de las enfermedades infecciosas, era uno de los pilares. Toda la plaza representaba para ella un foco, si no de bacterias, de las fuerzas sociales que el peronismo había alentado bajo la forma de vistosa propaganda de la felicidad” (2016, p. 45).

DANZA 

MARÍA NIEVES 

“Me enamoré del tango mucho antes de saber bailar”

(Buenos Aires, 1934)

Conocida por el público como una de las figuras más destacadas del tango-danza, bailarina, milonguera y coreógrafa, contribuyó a difundir el baile argentino a nivel global a partir de su dúo impar con Juan Carlos Copes con quien se consagró con el espectáculo Tango Argentino, creado y dirigido por Claudio Segovia y Héctor Orezzoli, estrenado en París 1983 y en Broadway (Nueva York) en 1985, que con un enorme éxito de alcance mundial se mantuvo en cartel por más de una década. A este espectáculo se le atribuye una influencia decisiva en el renacimiento mundial del tango, como danza y como género musical. 

María Nieves conoció a Copes en la milonga del club Atlanta con quien formaría pareja en las pista de baile y en la vida. Juntos y con destreza danzaban al estilo popular, cadencioso y sensual de la manera más argentina de bailar el tango. Luego de ganar un concurso en el Luna Park llamaron la atención de productores internacionales y se consagraron en Nueva York bailando nada menos que para la masiva teleaudiencia de Ed Sullivan.

Tal fue la fama que el dúo adquirió en los Estados Unidos que hasta el presidente Reagan los invitaría a bailar en la Casa Blanca para uno de sus cumpleaños. María Nieves también se destacó por su participación en el cine. Formó parte de los elencos de Tango: baile nuestro (1988), Funes, un gran amor (1993) y Assassination Tango (2003), dirigida por Robert Duvall. Bailarina y maestra, no es exagerado decir de ella que cada día baila mejor. 

Foto: María Della Bella.

EDUCACIÓN POR EL ARTE 

NELLY PERAZZO

“La pintura tiene y tendrá vigencia mientras haya gente para la cual es importante hacerla y gente para la cual es importante mirarla”

(Buenos Aires, 1925)

Formada en Roma por el historiador italiano Lionello Venturi, Nelly Perazzo inscribió su nombre en la escena de las artes visuales argentinas desde que se unió como asistente de Samuel Paz y Jorge Romero Brest en el Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella. Desde entonces su presencia ha resultado fundamental ocupando distintas posiciones: crítica, docente, académica, historiadora e investigadora. Su impulso la llevó a darle forma al primer estudio profundo sobre la vanguardia de los artistas concretos y su libro El arte concreto en la Argentina (1983) es una referencia ineludible sobre el tema. Su nombre se volvió una referencia internacional sobre la abstracción en el país y así es como participó en la investigación para muestras como “Constructivismo y Arte geométrico latinoamericano en los Estados Unidos entre 1920 y 1970” (Museo de Arte del Bronx, 1988), “Arte abstracto del Río de la Plata, Buenos Aires y Montevideo 1933-1953” (America’s Society, 2001) y “Alfredo Hlito, metáforas de lo visible” (Fundación Telefónica, Madrid, 2002).

Creadora y curadora del ciclo de exposiciones de esculturas en los jardines del Museo Larreta, cuya edición en 2018 se realizó en su homenaje.

Profesora en Letras por la Universidad de Buenos Aires, Perazzo es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes desde 1987, cuya presidencia ejerció en el período 1998-2000.

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