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El proyecto consiste en la escritura de un texto que contemplará las particularidades de la búsqueda del grupo cordobés “Efimerodramas”: entre el teatro y el arte de acción, desde el trabajo a partir de Sistemas Minimalistas Repetitivos y conforme los modos de registro propios de la performance.
Proyecto de investigación escénica basado en escritos del filósofo francés Alain Badiou y del poeta argentino Juan Gelman con miras a la creación de un espectáculo teatral de carácter unipersonal. Este proceso se inscribe en una trilogía iniciada con el espectáculo "El immitador de Demmóstenes".
El proyecto propone desarrollar breves intervenciones teatrales que discutan las relaciones entre la escena y el público de Tucumán contemporáneo. Mediante el procedimiento de traición a textos dramáticos clásicos universales la propuesta se pregunta por el rol actual de los espectadores de teatro.
Se realizará una performance que toma como eje la invención de una factura nueva (verso) como crítica a las políticas neoliberales actuales, rescatando el gesto de los primeros panaderos anarquistas. La acción se desarrolla dentro de una instalación sonora y en participación con los espectadores.
El proyecto consiste en realizar una investigación y una obra performática a partir de un proceso-laboratorio en torno al suelo como hábitat, en las que se indagará sobre la fisicalidad del cuerpo horizontal, caída, reptación, exilio y la transferencia de lo opaco a la experiencia corporal.
Proyecto de escritura teatral que aborda y continúa, investigando y hurgando en las ambigüedades de cómo anclar en escena la cuestión del nazismo.
El proyecto consiste en el desarrollo de una performance (o conferencia performática), en la cual se expondrá el papel que la humanidad está cumpliendo en la destrucción del medio ambiente, y las oportunidades para revertir esa situación. Se trabajarán aspectos científicos, históricos y míticos.
A través de una selección de crónicas periodísticas, se pretende indagar sus potenciales dramatúrgicos y desplegar un lenguaje de actuación y puesta en escena que permitan visibilizar cuestiones de género y dar cuenta de aquellos cuerpos disidentes registrados en esos relatos.
Sinopsis y síntesis argumental
Juan y Beata salen hace un mes y deciden mudarse juntos.
La primera noche de convivencia, reciben una visita inesperada: Un grupo de amigos del pasado de Beata irrumpe en el departamento para felicitar a la pareja y festejar con ellos.
Durante la velada Juan se volverá el centro de atención del grupo, y el blanco de su extravagante comportamiento. Excesos de confianza, irrupciones a la privacidad, bromas de mal gusto, irán cobrando intensidad al extremo de volverse intolerables.
A la vez, unos extraños mensajes irán apareciendo sorpresivamente en los lugares menos pensados…
¿Qué significan estos mensajes y a quién están dirigidos?
¿Quiénes son estos extraños qué irrumpen en la intimidad de la noche?
¿Cuál es el cumulo de señales que hacen falta para darse cuenta de que todo se trata de una representación, de que, en realidad, es a mí a quien intentan llegar?
El futuro es brillante, como una bestia gigante de metal, es un ensayo sobre lo escénico. Acerca de las convenciones culturales y sociales que componen el hecho teatral y sobre la influencia que las tendencias del mercado ejercen sobre el mismo.
Es también un experimento sobre la maldad cotidiana, una crítica doliente a la impiedad de una idiosincrasia consumista y voraz, donde la promesa de un futuro notable se vuelve la estrategia de venta suprema: la ilusión magnifica por la que vale la pena soportar sin cuestionar, las injusticias del presente.
Sobre “Estrategia de la luz” de Adriana Genta
El texto de Adriana Genta pone en escena un hecho histórico que nunca ocurrió, convertido en parábola de la condición femenina dentro de una sociedad patriarcal. La reina Juana, conocida para la posteridad como “La Loca” y la monja Teresa de Ávila, convertida luego en Santa, tenían en común a un confesor, el sacerdote Francisco de Borja. A partir de ese detalle, Genta urde la visita de la monja a la reina, encerrada en una torre, para consolarla y socorrerla religiosa pero sobre todo humanamente. Alberto Isola
BEYA DURMIENTE (Dj Beya) es un espectáculo performático-musical basado en la nouvelle “Le viste la cara a dios” de Gabriela Cabezón Cámara. “La bella durmiente” de Gabriela es casi como una zombie en vida, que se ve a sí misma desdoblada o dislocada en esta situación de tortura y secuestro. Durante todo el relato, Beya es violada, drogada y golpeada en un burdel del conurbano. El texto está escrito en una segunda persona que sobrevuela todo lo que ve, y que parece hablarse a sí misma desde otro plano. Es desde esta voz omnipresente, que seremos testigos de las visiones místicas-religiosas de Beya, y también de la construcción de su odio y de la concreción de su venganza. En nuestra versión escénica, una actriz-dj nos llevará por un viaje poético, musical y electrónico, que nos permitirá escuchar la voz de esta mujer en situación de trata. Partiendo de su Dj set, la actriz intensificará la multiplicación de su voz mediante diversos recursos musicales propios de esta práctica performática. Desdoblándose para poder hablarse, Dj Beya intentará desentrañar los mecanismos para sobrevivir en ese antro contemporáneo de la violencia machista. Una mujer se observa carne y se delira santa. Una mujer se escinde para volverse epifanía. Una mujer se transforma en Houdini o en un Kill Bill del conurbano, en clave de acto psico-mágico-poético y sublevación feminista.
Una criatura viaja en micro con su hermana. Los ojos contra el frío de la ventanilla. La respiración
agitada empaña el vidrio. Abajo no hay nadie, nadie mueve la mano de lado a lado sacudiendo la
partida. Un accidente de micro las desparrama sobre el pavimento de la ruta. Un coro de
fantasmas las interna en un hospital. Son dos nenas a las que les meten suero como leche materna
y medicamentos como caricias. Termómetros para medir el tiempo de la sala de espera y
radiografías para traslucir el desamparo. Adentro, junto a las otras niñas, organizan la pequeña
unión que programa el motín de la ternura.
EL MOTÍN DE LA TERNURA es un monólogo construido a través del trabajo de la voz extraña que toma elementos de la oralidad infantil para transformarla y corporalizarla. La voz se vuelve espacio en la medida en que está cargada por la fuerte presencia de imágenes creadas por la enunciación: soporte espacial, material y ficcional del discurso. La estructura avanza por el entramado de imágenes, acciones, recuerdos y miedos. La actuación debe lograr transgredir los límites de las voces. A través del trabajo interdisciplinario se buscará romper con la espacialidad de la acción presente para poder, a través del cuerpo y su contacto con el presente escénico y la expectación, dar cuenta de un universo expandido más allá de los límites del lenguaje y las imágenes. Lo inefable deberá volverse carne en la actuación. Deseamos hacer esta obra para dar imagen a la transformación. Por medio de una actuación cargada de expresividad, deseamos volver visible y poetizar lo que el sistema invisibiliza.
“Ha llegado un inspector” es una comedia de suspenso que alude a problemáticas sociales como la lucha de clases, la explotación laboral, la prostitución y el poder. Consiste en una fuerte reflexión sobre las relaciones y los vínculos humanos.
En el medio del festín de un compromiso, de improviso, llega un singular inspector quien anuncia que una joven se ha suicidado. En el transcurso de la obra se descubrirá que todos los integrantes de la familia, incluso el novio, han tenido una relación con la muchacha.
La enamorada se trata del momento vital en el que una mujer toma la palabra. El peso de la propia historia a la hora de afirmarse y poder decir. Nunca sabremos si lo pudo decir todo. Pero “pudo decir” y este punto de inflexión en su vida marca claramente el abandono de una sumisión a la costumbre, a la inercia. Nuestra protagonista trata de hilar un relato que todo el tiempo se le deshilvana, pero el acontecimiento no está en lo hilvanado. El acontecimiento será poder presentarse frente a otros para operar un ritual ambiguo en el que lo que queda más claro es que muchas cosas han muerto y que tantas muertes han preparado el terreno para también morir en una identidad cuya fecha de vencimiento se ha puesto de manifiesto. Algo muere, algo nace… todo sucede sin estridencias. Se trata de un viaje en el que acompañaremos una intimidad, seremos testigos de confesiones de apariencia pueril y de contundencia existencial para un ser sin certezas, pero con la necesidad de encontrarse con el mundo desde un lugar otro.
Palabras de Guillermo Cacace
La obra narra una situación convencional donde un joven pasa a buscar a su novia por la casa de los padres para llevarla a cenar. Los padres, minutos antes descubren la presencia en la casa, de una cucaracha, y envuelven al muchacho en un juego que encierra aspectos siniestros, para tratar de eliminarla.
Esa circunstancia, en principio natural y común, pasa a transformarse para el pretendiente en una situación alucinante. Ninguno de los personajes es lo que aparenta ser y a su vez son varios otros -como un intento desesperado de darle sentido al vínculo “matrimonio” y a la estructura “familia”- perdiéndose en un histrionismo afectado y en la exageración de las situaciones, deviene la despersonalización. En este juego de ficción, de teatralidad permanente, se subraya la necesidad por parte de los protagonistas de encontrar otro lenguaje para comunicarse, para no envolverse de soledad, para escapar de una rutina vacía de contenidos y de una existencia sin vivencias. La visita del pretendiente es fugaz; rompe la monotonía de un instante para sumergir al matrimonio nuevamente en la oscuridad, como una forma apocalíptica de delinear la frustración.
Así, mientras nada sucede “realmente” se les oye decir: “Usted me arranca a mi hija de mi lado y yo muero de tristeza”. También: “Nadie aspira a comprender el abismo. Se lo ve y se tiembla, como yo estoy temblando”. Esta obra nos presenta una imagen de la realidad que aparece dislocada, casi como un instinto, inconsciente, de supervivencia de los personajes. La anécdota guarda una duplicidad irónica de enorme dureza y apunta a la desmitificación de la “normalidad” cotidiana.
Nuestra propuesta artística de abordaje busca profundizar el sentido de la teatralización mediante el contraste de lo absurdo de algunas situaciones, el dramatismo y la potencia de la actuación, sobre una puesta escenográfica y ambientación realista, para que el espectador pueda fantasear con que otra cena, más allá de la ficción representada, se está creando bajo su mirada. Filtrar la percepción de la ficción: dentro de esa aparente “verdad” del realismo escenográfico, los personajes se admiten como actores de un juego escénico que conduce al absurdo y a la disolución de los personajes y de la “realidad”.
En una noche, la noche de la primavera, los pibes en llantas rompen la pista de baile y rajan a pique por las calles angostas de la ciudad. En esas calles donde se juega el hambre y parece que no hay tiempo para el amor, Valu y Julio intentan amarse, como en aquella historia de Romeo y Julieta, mientras esquivan las balas del poder que negocian los transas y la ley.
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BAILAN LAS ALMAS EN LLANTAS dialoga con el clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta. Propone una versión libre, quitando algunos personajes y generando algunas rupturas en la estructura. Romeo y Julieta es el material que funciona como trampolín para la creación.
En BAILAN LAS ALMAS EN LLANTAS, se cuenta la historia de Julio y sus amigos. Adolescentes, en condición de marginalidad, que viven entre terminar la primaria, en la escuela nocturna, y la vida del robo para comer. Por otro lado, está la familia de Valu, que vive del negocio de la droga en la villa, una familia de transas protegida por la policía. Se construyen así, los bandos enemistados: Capuletos y Montescos.
Una noche, en el baile de la primavera organizado por los transas, baile que ni invitados ni infiltrados se quieren perder; Valu y Julio se enamoran y todo empieza a ser una desventura amorosa o un vertiginoso juego de poder.
Ésta versión libre combina el lenguaje lunfardo característico con una escritura versificada -rimas asonantes y consonantes-. Se busca, con una dramaturgia en verso, generar un distanciamiento procedimental y poético que ponga de manifiesto el carácter ficcional; y a la vez hacer un guiño con el mundo del rap y el beat-box, tan presente en los jóvenes, en la actualidad.
BAILAN LAS ALMAS EN LLANTAS habla de los pibes y las pibas, adolescentes marginados e invisibilizados, de las corridas, la cumbia, la calle, la escuela, el rap y el beat box, las llantas, la gorra, la villa, la noche, la cosificación, la extorción, la amistad, el amor, el hambre, la lealtad, la droga, los transas, el gatillo fácil, la vida y la muerte.